Paul cézane

PAUL CÉZANNE

Paul Cézanne (19 de enero de 1839 – 22 de octubre de 1906) fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores»,que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación. 

Michel Pagnoux

MICHEL PAGNOUX

Michel Pagnoux nació en 1946 en Dordogne, Francia, y desde los veintipocos años ya estaba haciendo exposiciones y no ha parado hasta ahora. Sus pinturas multicolores y surrealistas son realmente espectaculares, puro color saturado.

El moises de migel angel

EL MOISÉS DE MIGUEL ÁNGEL

El Moisés es una escultura de mármol blanco, obra de Miguel Ángel Buonarroti (1513-1515), centrada en la figura bíblica de Moisés. Originariamente concebida para la tumba del papa Julio II en la Basílica de San Pedro, el Moisés y la tumba se colocaron finalmente en la iglesia menor de San Pietro in Vincoli, en la zona del Esquilino, tras la muerte del papa. La familia della Rovere, de la que el papa procedía, fueron los mecenas de esta iglesia, y el mismo papa había sido cardenal titular antes de su nombramiento como representante del Vaticano.

La estatua se representa con cuernos en su cabeza. Se cree que esta característica procede de un error en la traducción por parte deSan Jerónimo del capítulo del Éxodo, 34:29-35. En este texto, Moisés se caracteriza por tener karan ohr panav ("un rostro del que emanaban rayos de luz"), lo que San Jerónimo en la Vulgata tradujo por cornuta esset facies sua ("su rostro era cornudo"). El error en la traducción es posible debido a que la palabra "karan" en hebreo puede significar "rayo" o "cuerno". Cuando Miguel Ángel esculpió el Moisés el error de traducción había sido advertido, y los artistas de la época había sustituido, en la representación de Moisés, los cuernos por dos rayos de luz. No obstante Miguel Ángel prefirió mantener la iconografía anterior.

las artes plasticas

LAS ARTES PLÁSTICAS

 Las artes plásticas son el trabajo con materiales moldeables o que tienen "plasticidad" y al manejarse con diferentes técnicas ayudan a expresar la idea que se quiere comunicar.

Las artes plásticas es formar y conformar ideas con distintos materiales mediante acciones como la pintura y el dibujo (gráficas), y la arquitectura y escultura (plásticas); es decir, las artes plásticas representan un conjunto de acciones y actividades de tipo gráfico-plástico, en donde intervienen la vista y el tacto para apreciarlas y estimularl nuestra imaginación y pensamiento.

Las Artes Plásticas forman parte de Las Bellas Artes. Bellas Artes son: Teatro, danza, música, literatura, artes plásticas, arquitectura y el conocido séptimo arte: Cine.
Y las Artes Plásticas o Visuales a su vez se dividen en: Pintura, escultura, dibujo, grabado y fotografía.
Ahora el Arte se ha extendido y está Multimedia, creadas a partir de la tecnología y la computación, esta también se ha considerado una Arte Plástica, aunque algunos puristas reniegan de ella.

Son la presentación o representación de conceptos, emociones y situaciones de carácter humano por medio de elementos materiales o virtuales que pueden ser percibidos por los sentidos (especialmente el de la vista). Los factores principales en el desarrollo de una obra artística son la materia, el espacio y el tiempo que, combinados, presentan al espectador una situación de la cual él puede apropiarse e interpretar en su propio contexto.

Las artes visuales se diferencian de las artes plásticas por combinar otros recursos como el teatro o la danza en el happening y la performance, o el arte sonoro en instalaciones o intervenciones, es decir, las artes visuales poseen un abanico más amplio e inclusivo de medios para la elaboración de las obras artísticas que las artes plásticas o gráficas.

ARTE MODERNO

EL ARTE MODERNO 

El arte moderno puso de manifiesto que la deformación de los objetos que se representaban no era involuntaria, sino deliberada, artística, buscada con el fin de satisfacer cierta concepción poética de las cosas.

El sacrificio de la razón, este irracionalismo es lo que el arte moderno ha hecho valer por encima de las normas tradicionales.

Se define por tanto al arte moderno como irracionalismo en su forma más amplia. No obstante, podemos decir que el irracionalismo es una condición necesaria del arte, y que está presente en todas las expresiones artísticas de la humanidad, por lo que no puede considerarse como algo característico peculiar del arte moderno.

Pero teniendo en cuenta que el arte moderno es el más artístico, el más puro como arte, “el arte por el arte”, se entiende en qué sentido la definición anterior es cierta; porque debe verse en el arte moderno el más puro, el más absoluto irracionalismo estético que ha conocido la humanidad.

Ninguno de los irracionalismos de los artes anteriores, de carácter místico, popular o tradicional lo era por completo ya que siempre estuvieron ligados a alguna forma de la significación, es decir, al entendimiento.

En el irracionalismo del arte moderno no hay sitio para ninguna clase de significación, se trata de un irracionalismo objetivista.

Esto significa que considera la irracionalidad como una propiedad esencial del objeto y no como un defecto interior de la conciencia. A esta concepción debe el arte moderno su carácter profundamente revolucionario e impopular.

LA MONA LISA

LA MONA LISA 

 La Mona Lisa, es una obra pictórica de Leonardo Da Vinci. Adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del siglo XVI, desde entonces es propiedad del Estado Francés, y actualmente se exhibe en el Museo del Louvre de París.

Su nombre oficial es Gioconda, en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo, al que debe su apodo y que realmente se llamaba Lisa Gherardini.

Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1519, y retocado varias veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento de los barnices. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado a temperatura estable para su preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.

Además, se han usado herramientas tecnológicas para la investigación de enigmas que rodean la obra. Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.

La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.

EL ARTE POP

EL ARTE POP 

El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.

El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.

El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al espectador le gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, pero no comprendieron su carga de ironía y de ambigüedad.

El arte abstracto

EL ARTE ABSTRACTO

Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales.

El arte abstracto no utiliza formas que la mente asocie a conceptos definidos, aparece como lo opuesto a la figuración. Alrededor de 1910 Kandinsky se encuentra totalmente convencido que el arte no debe describir los objetos y comienza a experimentar obsesionado en la búsqueda de las cualidades y posibilidades expresivas de manchas y de los colores con independencia de su significado, es éste el gran paso para desligar a la pintura de su carácter descriptivo tradicional y dar paso a la pintura abstracta. A partir de entonces el arte abstracto toma protagonismo pero en el período de entreguerras, alrededor de 1920 la pintura da un giro y regresa a una nueva figuración que pone de lado al movimiento. Primero el dadaísmo, después el surrealismo, hasta llegar a un expresionismo abstracto que retoma el desarraigo a la figura planteado por Kandisky. Es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos  figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual. La obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.

EL ARTE POPULAR

El arte popular se expresa generalmente en el término folclore. Folclore significa sabiduría popular; abarca todos los conocimientos que se trasmiten oralmente y todas las habilidades o técnicas que se aprenden por imitación o mediante el ejemplo, así como los productos resultantes.

Los objetos fabricados en serie y los conocimientos adquiridos por medio de libros o de una educación formal son parte de la cultura, que comprende la totalidad del saber, pero no pertenecen al folclore.

A partir de los años 70 la designación arte popular comienza a referirse a aquellas manifestaciones culturales con un plus estético que se encuentran en los bordes de los circuitos de jerarquización establecidos por la gestión de campo de las Bellas Artes (galerías, museos de arte, academias, salones, premios, etc.) o que se manifestaban en forma espontánea entre determinados grupos, ya fuera que continuaran un canon étnico o tradicional ya que fueran manifestaciones que en apariencia no respondían a reglas preestablecidas comunitaria mente como los grafities.

El arte

EL ARTE

A lo largo de la historia, los artistas han estado encasillados en rutinas de desorden y locura.  Aunque es cierto que el genio artístico en ocasiones los lleva a asumir actuaciones controvertidas, también es cierto que el sensacionalismo abunda desde tiempos antiguos y se subrayan más los escasos artistas insanos que el abundante repertorio de artistas íntegros tanto en su arte como en su forma de vivir.

Pero el arte es algo más que exaltaciones desmedidas de la inteligencia.  El arte, para empezar, es simplemente el proceso para llegar a hacer algo.  En esa medida todo lo que se hace con un fin determinado, es un arte.  Es por eso que sobresalen entonces, las bellas artes, es decir, procesos para llegar a hacer algo, y aquí va lo de bello, estéticamente valioso.  Pero esa separación de las bellas artes hizo que pensáramos en arte, solo cuando nos referimos a pintura, escultura, arquitectura, música, teatro, cine entre otras.

Teniendo en cuenta que arte es todo proceso para hacer algo, vivir es un arte y no está de más, hacer del arte de vivir, una bella arte.  Es posible integrar en nuestras acciones diarias toda la delicadeza, esmero, estudio, concentración y emoción que una obra de arte implica.  Pensar en nuestra vida como una obra de arte puede impulsarnos a lograr lo que nadie ha logrado, a pensar lo que nadie a pensado a vivir lo que nadie ha vivido.  No se sugiere una exagerada meticulosidad en cada cosa que hagamos, se sugiere que nuestros actos, sean inspirados por nuestras emociones más sinceras, ya la razón se encargará de poner esas sensaciones en el plano de la realidad.